2026年1月26日

螺鈿（らでん）とは何か？ 鑑定人が解説する、起源・技法・歴史・価値までわかる完全ガイド

こんにちは。北岡技芳堂・鑑定人の北岡です。

螺鈿（らでん）とは、真珠層をもつ貝殻を切り出し、漆器などに嵌め込んで装飾する日本・東アジアの伝統工芸技法です。角度によって虹色に輝く神秘的な光沢は、古代から王侯貴族や富裕層に愛されてきました。

本記事では、螺鈿の歴史や技法の特徴、中国・朝鮮・日本の様式の違い、そして高額査定が期待できる作品のポイントまで、漆芸史および骨董市場の実務経験を踏まえ、鑑定の現場視点で解説します。螺鈿細工の価値や買取を検討されている方はぜひ参考になさってください。

人物螺鈿印箱

蓋表には庭園を散策する二人の人物が表され、側面には花入り七宝繋文を地とし、木瓜形の窓枠の中に花文と果文が配されています。華やかな文様構成は、明時代後期・万暦年間（1573〜1620）に見られる螺鈿装飾の特色をよく示しています。印章を収めるための印箱は、この時代の螺鈿作品の中でも比較的珍しい作例といえます。

■螺鈿の歴史｜紀元前から進化を続けてきた伝統工芸

螺鈿の起源には複数の説があり、紀元前3000年頃のエジプト・メソポタミア、あるいは殷〜周代（紀元前16世紀頃〜紀元前256年）の中国で始まったとされています。加工法や装飾対象は異なるものの、貝殻に細工を施して嵌め込むという手法自体は同じ。文献としては「韓非子」や「淮南子」など、中国の漢代（紀元前202〜220年）に記された書物が最古です。当初は現在のような虹色光沢を持つ貝ではなく、主に淡水に生息する白色貝類を用いて漆器や酒器・食器などを装飾していました。遺跡から発掘されたものの多くが墓葬出土品で、主に儀礼や葬送時の埋葬品に使われていたようです。

その後、唐代（618年〜907年）で南海交易が盛んになると、東南アジア産の夜光貝など真珠層を持つ素材が使用されるように。さらに貝を極薄に加工する技術が発達することで曲線的な文様の製作が可能となったことから、螺鈿は劇的な進化を遂げます。しかし宋代（960年〜1279年）に入ると中国の螺鈿文化は衰退。漢代に朝鮮半島に渡った螺鈿が独自の進化を遂げ、高麗（918〜1392年）の頃に盛んになる「高麗螺鈿」へと結びつくことになります。

もう一つの進化ルートが日本です。奈良時代（710〜794年）に唐から伝わりましたが、当初は完成品の輸入、もしくは渡来工人による製作がほとんどで、日本文化としての螺鈿細工の誕生には今しばらく時間がかかります。日本史の教科書にもたびたび登場する「螺鈿紫檀五弦琵琶（らでんしたんのごげんびわ）」はこの時期のものですね。

平安時代（794〜1185年）に入ると螺鈿は急速に発展し、新しい技術と手法が次々と生み出されます。唐様式の木地に埋め込む螺鈿から、黒漆の上に貝を埋め込み平滑に加工する漆地螺鈿が主流になったのはこの時期で、金粉や銀粉を蒔く蒔絵との融合により日本式の洗練が始まります。優美な曲線模様や自然の風景がデザインモチーフに取り入れられ、鏡箱や櫛、文房具、馬具など平安貴族の生活用品を華やかに彩りました。この時期の作品として国宝「片輪車螺鈿蒔絵手箱」（東京国立博物館蔵）などが残っています。

鎌倉時代以降も発展を続け、室町〜桃山時代には輸出品としての製作が始まります。主にポルトガルやスペインに向けにつくられた製品は「南蛮漆芸」と呼ばれ、現地富裕層のステータス・シンボルとなる高級品として非常に人気が高かったそう。

螺鈿技法が最盛期を迎えたのは江戸時代です。単に貝をはめ込むだけでなく、薄い貝をモザイク状に配置する技法や、蒔絵や染め、箔と組み合わせることで、より複雑で絵画的な表現が可能になりました。硯箱や盆などの漆器を中心に、小箪笥や香合などさまざまな器物に施され用途の幅も広がりました。作品に螺鈿を取り入れた著名作家として、尾形光琳や小川破笠、五十嵐道甫なども知られています。

明治時代に開国すると、日本の螺鈿細工が施された漆芸品は欧米で「ジャパン・ファンシー」として高い人気を博します。大正から昭和初期にかけてアール・ヌーヴォーやアール・デコといった洋風のデザインの影響を受け、螺鈿の図案も古典的なものから、幾何学的なデザインやモダンなモチーフへと変化。戦後は伝統的な技法を守る工芸家と、新しい素材・技術を組み合わせる現代作家たちによって、螺鈿細工の可能性が広がっています。近代の著名作家として重要無形文化財保持者（人間国宝）の北村昭斎や、近代漆芸の巨匠・黒田辰秋などが知られています。

黒田辰秋　耀貝螺鈿流卍茶器

■螺鈿の特徴｜黒漆と貝殻の輝きを調和させた芸術的工芸品

「螺（ら）」は螺旋状の貝殻を指し、「鈿（でん）」は貝や金属を埋め込んだ装飾を指す言葉です。紀元前に発掘された最初期のものは木や石に溝を彫り、貝殻や宝石を接着剤で固定した簡素なものでした。その後、漆との融合、夜光貝など真珠層をもつ自然素材の導入、薄貝加工や嵌入技術の進化により、さまざまな文様や自然景観などを描く絵画的表現が可能となります。黒漆の深い艶と貝殻の輝きが調和し、これまでに数多くの芸術的価値を持つ作品が生み出されてきました。

＜七色に輝く貝殻の秘密＞

螺鈿細工の最大の特徴は、オーロラのように輝く貝殻の真珠層です。貝殻の内側はアラゴナイト結晶とタンパク質が織りなす微細な複層構造になっており、光が入射すると一部は反射し、一部は透過して層内で干渉を起こします。これにより特定の波長が強調されることで、見る角度や光の入り方によって色が変化する「干渉色」が現れるという仕組みです。職人技により精密な文様に仕上げられた美しい貝殻が、古今東西の人々の目と心を奪ってきたのです。

＜主な素材＞

螺鈿細工の主な素材は、夜光貝（ヤコウガイ）、アワビ貝、白蝶貝（シロチョウガイ）、黒蝶貝（クロチョウガイ）、アコヤガイなどの貝殻内側にある真珠層です。かつては珊瑚や象牙なども用いられましたが、現在は使用が制限・希少化しています。現在では千代紙やラメ、金銀箔などを併用し、手軽に螺鈿風の作品をつくるキットなども存在します。

＜技法：厚貝と薄貝＞

「厚貝（あつがい）螺鈿」は0.1mm以上の厚みがある貝を器などに嵌め込む技法で、仕上がりに重厚感があります。対して「薄貝（うすぎかい）螺鈿」は0.1mm以下の薄い貝殻をもつ夜光貝やアワビなどを使用します。薄い貝を何層も貼り重ねたり、和紙で裏打ちして割る「割貝」などの技法を用いたりすることで、繊細な表現が可能となりました。

＜中国の螺鈿の特徴：絵画のような微細表現＞

中国の螺鈿は主に薄い貝殻を使い、山水、人物、花鳥などを写実的に描く緻密な文様表現が豊富で、漆芸との融合により宝石のような輝きをもたせています。特に明・清時代には花鳥画風の表現や、貝殻で羽毛一本一本や木の皮の質感を表現する技術が発展し、華やかさと細密さを際立たせる表現技法が確立しました。

＜朝鮮の螺鈿の特徴：高い技術力による精緻な文様＞

非常に薄い貝を使った繊細な技法から、大ぶりで厚みのある貝を使った大胆な表現を実現する技法までバリエーションが豊か。貝殻を精密に切り抜く「割貝（ジュルムジ）」や、糸のように細く切って配置する「切線（クヌムジ）」などの高度な技術を用いて、複雑な文様を表現しています。時に大ぶりの花模様を大胆に配し、時に動物や草木など自然のモチーフを繊細に配するなど、時代によって描かれるモチーフは変わっていきました。

＜日本の螺鈿の特徴：蒔絵とのハーモニー＞

螺鈿は日本を含む東アジア地域で発達しましたが、中国では螺鈿単独で画面が構成され、朝鮮（高麗）では螺鈿を主役にした全面装飾が中心だったのに対し、日本では蒔絵を主役に置き、螺鈿を補助的な装飾として配置するというきらびやかな表現がメインとなりました。複数の漆層を丁寧に塗り重ねたのち、表面を研いで下層の文様を意図的に露わにする「研出蒔絵」や、文様の部分を漆や炭粉、砥の粉などで高く盛り上げて立体的に表現する「高蒔絵」の装飾をさらに豪華にするために螺鈿が用いられたのです。

＜国内の主な産地＞

◎琉球漆器：沖縄は14世紀頃の琉球王朝時代から続く漆器の産地で、古くから螺鈿が使われてきました。沖縄の象徴的な樹木であるデイゴやセンダンなどを木地に使い、ハイビスカスやゴーヤなど特有の自然や文化をイメージしたデザインが施されています。

◎長崎漆器：1587年頃から長崎でつくられ始めた漆器。螺鈿を取り入れた長崎漆器は「長崎螺鈿」と呼ばれ大量に輸出されました。

◎高岡漆器：1609年に富山県高岡市でつくられ始めた漆器で、代表的な技法に「青貝塗」「勇助塗」があります。薄貝の特徴を巧みに活かし、独自の繊細かつ華麗な螺鈿漆器をつくり上げました。

◎会津漆器：螺鈿と漆絵、蒔絵などを組み合わせた多彩な工法が用いられ、堅牢で実用的な漆器として知られています。

■螺鈿細工の買取相場と高値がつく作品の特徴

螺鈿細工の買取相場は、品目や状態、骨董的価値により幅広く、硯箱・盆などの小物類で数千円〜数十万円、箪笥・テーブルなどの家具類で数万円〜数十万円以上が目安です。作家物や希少なアンティーク品は数十万円〜100万円を超える高額査定となることも・・・。特に以下の特徴をもつ作品は、骨董市場で高く評価される傾向にあります。

◎骨董品：時代を経たアンティーク品は希少価値が高いです。特に江戸時代以前のものや、歴史的な由来があるものには高い値がつくことが多いです。

◎著名な作家・工房の作品：柴田是真や六角紫水などの著名作家、民谷螺鈿製作所や嵯峩螺鈿野村などの有名工房が手掛けた作品は高値がつきます。

◎精緻な技術・描写：貝の層が薄く、複雑な模様（人物、風景、花鳥など）が細かく描かれているもの。肉厚な貝を使った迫力のある作品も評価の対象です。

◎中国製の螺鈿家具・漆器：黒漆や唐木に、色鮮やかな夜光貝を用いた中国宮廷風の豪華な家具や硯箱は高額で取引されています。

◎共箱付き：作家名が記された共箱（ともばこ）が揃っていると、証明書代わりになり、大幅な査定額アップが期待できます。

長い歴史、多様な産地と技法を有する螺鈿細工の真価を見極めるには、経験に裏付けられた鑑定眼が不可欠です。もしお手元に作品をお持ちの方は、ぜひお気軽に当ギャラリーへご相談ください。これまで数多くの工芸品・美術品を鑑定してきた私が丁寧に査定いたします。

◎鑑定人プロフィール

北岡淳（北岡技芳堂 代表）

初代である祖父は掛け軸の表具師を生業としていたため、幼い頃から美術品や骨董品に親しむ。その後京都での修行を経て、3代目として北岡技芳堂を継承。2006年に名古屋大須にギャラリーを構え、幅広い骨董品や美術品を取り扱いながらその鑑定眼を磨いてきた。

2026年1月22日

江戸切子の買取相場はいくら？ 高値がつく作品の特徴と査定ポイントを鑑定人が解説

こんにちは。北岡技芳堂・鑑定人の北岡です。

皆さんも一度は手にしたことがあるであろう「江戸切子（えどきりこ）」。主にコップなどの食器や酒器として親しまれ、ガラスに刻まれた幾何学模様が光を受けてきらめく様は、見ていて飽きることがありません。

贈り物やお土産としての人気も高く、熟練の職人技が求められる伝統工芸品として知られています。一方で近年は、製造工程に機械を導入することで比較的安価に製作された製品も多く流通しており、価格帯は非常に幅広くなっています。数千円程度のものから、高い工芸的・骨董的価値を有するために数万〜数十万円の値がつくものまで実にさまざまです。

もしお手元に「どれくらいの価値があるのだろう？」と気になる江戸切子をお持ちでしたら、ぜひ一度当ギャラリーにご相談ください。あらゆるジャンルの工芸品・骨董品に精通した鑑定人として、私が責任をもって査定いたします。本記事では、江戸切子の査定ポイントや高値がつく作品の特徴について詳しく解説しています。査定やご売却を検討されている方の参考になれば幸いです。

但野英芳　江戸切子　一対の金魚　ロックグラス　宙吹き

■江戸切子の歴史｜開国と近代化が価値を高めた理由

江戸切子が誕生したのは天保年間、徳川家斉が将軍であった頃とされています。1834年（天保5年）、江戸大伝馬町（現在の東京都中央区日本橋）でびいどろ屋を営んでいた加賀屋久兵衛が、ポルトガルなど海外から伝わった舶来ガラスを手本に、透明なガラスの表面に細工を施したのが始まりといわれています。

当初の切子ガラスは無色透明で、文様や線彫りも簡素なものが中心でした。そのため陶磁器や漆器と比べると、工芸的価値はまだ高いものではなかったようです。しかし技術の発展とともに装飾性が高まり、1853年（嘉永6年）に黒船で来航したペリー提督に加賀屋の切子瓶が献上され、その出来栄えに驚いたという逸話も残されています。ただし、この話の真偽については定かではありません。

大きな転換点となったのは明治時代です。政府の殖産興業政策の一環として近代的な硝子製造所が建設され、1881年（明治14年）には英国のカットグラス技師エマヌエル・ホープトマンが招聘されました。彼がもたらした当時最先端のカットグラス技術と、江戸切子の伝統技法が融合したことで、色被せガラスや多層的なカット技法、精緻な対称構成などが発展していきます。

こうした新しい江戸切子は、ジャポニズムブームに沸いたパリ万博（1867年）やウィーン万博（1873年）への出展をきっかけに海外でも注目を集めました。陶器、七宝、漆器、織物などとともに「Japanese Cut Glass」として紹介され、海外市場への進出も始まります。国内では富裕層を中心に、贈答品として用いられる機会が増えていきました。

大正時代から昭和初期にかけては、技術や意匠の多様化と定型化が同時に進み、職人による分業体制が確立されます。これにより品質と技術水準が安定し、百貨店文化の発展とともに庶民の生活にも広く浸透していきました。

戦時中は原料や職人の不足、戦後は安価なプレスガラス製品の普及により一時的に衰退しますが、1970年代に民藝運動の高まりを受けて手仕事の価値が再評価されます。1985年には国の伝統的工芸品に認定され、技術基準や産地の定義が明確化。高級酒器や贈答品としての地位を確立し、海外展開も再び活発になります。黒川昭男（1941〜2019年）をはじめとする優れた作家も多く輩出され、伝統を継承しつつも挑戦的な創作を行える環境が整えられました。

現在では、超精密カット技術や薄手ガラスの開発、色数・レイヤー数の拡張、コンピューター技術と手仕事の融合など、さまざまな試みが重ねられています。こうした進化の過程でアートピースとしての評価も高まり、海外のギャラリーやミュージアムショップでも人気を博しています。

■江戸切子の特徴とは｜高い査定評価につながる技法と文様

「切子」とはカットグラス（cut glass）の和名で、ガラス表面に彫刻や研磨による文様を施し、美しい輝きを生み出す工芸ガラスのことを指します。江戸切子の源流となった英国のカットグラスは、5世紀頃に始まったイタリアのヴェネツィアン・ガラスを起点に、17〜19世紀にかけて技術改良が重ねられてきました。精密なカットや、平面・斜面・段差を組み合わせた立体的な装飾が特徴です。

久兵衛はこうした英国のカットグラスや、オランダから伝わった「ぎやまん」と呼ばれるガラス工芸に触発され、ガラス表面に彫刻的装飾を施しました。金剛砂（こんごうしゃ）と呼ばれる研磨剤を木製の棒や円盤に塗り、無色透明のガラスを手作業で削っていたと伝えられています。現存する「加賀屋」の引札には、銘酒瓶や脚付きコップ、文具揃などが描かれており、「霰（あられ）」のようなシンプルな文様が当時人気を集めていたことがうかがえます。

明治初期に途絶えた薩摩切子の職人たちが江戸へ流入したことや、英国式カット技法の導入により、江戸切子は飛躍的な発展を遂げました。1985年には東京都伝統工芸品、2002年には国の伝統的工芸品に指定され、現在では日本を代表するガラス工芸として高く評価されています。

＜主な特徴＞

◎高度な職人技が求められる工芸品

割り出し、粗摺り、三番掛け、石掛け、磨き・バフ掛けの5工程からなり、そのほとんどが職人による手仕事。機械化・自動化が難しいことから、技術継承が積年の課題とされています。

◎色被せ（いろぎせ）ガラス

透明ガラスの外側に薄い色ガラスを重ねた「色被せガラス」は、江戸切子を象徴する技法のひとつです。表面を削ることで下地の透明層が現れ、色と光の鮮やかなコントラストが生まれます。

◎江戸時代より続く伝統的な文様

・菊繋ぎ（きくつなぎ）：長寿や無病息災を象徴する文様で、非常に高度なカット技術が求められます。

・矢来（やらい）：魔除けや厄除けの意味を持ち、町屋の竹柵をモチーフにした伝統文様です。

・六角籠目（ろっかくかごめ）：六角形の籠をイメージした文様で、構造的に加工難易度が高いのが特徴です。

・麻の葉（あさのは）：成長の早い麻にちなみ、子どもの健やかな成長を願う文様です。

■江戸切子の買取相場と高値がつく作品の特徴

江戸切子の買取相場は、作品の状態や共箱の有無によって異なりますが、一般的には数千円〜数万円程度が目安です。ただし、篠崎英明、根本幸雄、堀口徹、清水秀高、木村泰典、黒川昭男、但野英芳などの著名作家の作品や、カガミクリスタルなどの有名工房の作品、江戸後期〜明治期の古作、大型作品（大皿・花瓶）などは、10万円以上の評価がつくことも珍しくありません。

市場に流通する数が多い分、歴史的価値や技術的完成度、作家性を正しく見極めるには専門的な鑑定眼が不可欠です。お手持ちの江戸切子の価値を知りたい方は、ぜひお気軽に当ギャラリーへご相談ください。これまで数多くの工芸品・美術品を鑑定してきた経験をもとに、丁寧に査定いたします。

◎鑑定人プロフィール

北岡淳（北岡技芳堂 代表）

初代である祖父が掛け軸の表具師を生業としており、幼い頃から美術品や骨董品に親しむ。その後京都での修行を経て、3代目として北岡技芳堂を継承。2006年に名古屋大須にギャラリーを構え、幅広い骨董品や美術品を取り扱いながらその鑑定眼を磨いてきた。

2026年1月12日

アンディ・ウォーホル展を徹底解説／パブリックイメージを自在に操る「百面相」 〜北岡技芳堂の骨董品買取ブログ〜

東京・表参道のエスパス ルイ・ヴィトン東京で行われている「アンディ・ウォーホル SERIAL PORTRAITS」展は、数あるウォーホル展の中でも「セルフポートレート（自画像）」に焦点を当てた極めてユニークな企画です。

ポップ・アートの旗手として知られるウォーホルは、マリリン・モンローやキャンベル缶といったアイコン的作品だけでなく、自身の姿を何度も作品化することでパブリックイメージを自在に操ってきました。本展ではシルクスクリーンや写真作品を通して、時代とともに変化するウォーホルの「顔」を読み解いていきます。

本記事では、アンディ・ウォーホルの略歴を押さえながら、展覧会の見どころやエスパス ルイ・ヴィトン東京という展示空間の魅力について詳しくご紹介します。来場を検討されている方はもちろん、ウォーホル作品をより深く理解したい方にもおすすめの内容です。

アンディウォーホル　SELF-PORTRAIT (1978)

■1960年代はビートルズとウォーホルの時代｜アンディ・ウォーホルの略歴

これまでに何度か取り上げていますが、改めてアンディ・ウォーホル（1928〜1987年）がどんなアーティストだったのかご紹介しましょう。もともとニューヨークで広告制作に携わっていたウォーホルは、イラストレーションの領域でメキメキと頭角を現し、24歳の時に新聞広告のアート・ディレクターズ・クラブ賞を受賞するなど華々しい活躍を見せます。そんなタイミングで出会ったのが、ジャスパー・ジョーンズ（1930年〜）やロイ・リキテンスタイン（1923〜1997年）といったポップ・アーティストたちでした。若くして成功を手に入れたものの、広告の仕事にどこか物足りなさを感じていたウォーホルは、彼らに触発される形でアートの世界に足を踏み入れることになります。1960年、ウォーホルが32歳の頃でした。

アーティスト転向からわずか1年、「スープ缶をモチーフにする」というアイデアに辿り着き、生まれたのがキャンベル缶のシルクスクリーン作品です。この作品でウォーホルは一躍、ポップ・アートの旗手として第一線に躍り出ることになりました。1964年には広告制作者時代の蓄えをはたき、ニューヨーク西4丁目の倉庫を改造して「ザ・ファクトリー」と呼ばれるアトリエを開設。この新拠点から数々の傑作を生み出していきます。マリリン・モンローやエルヴィス・プレスリーなどのポップ・アイコンや、コカ・コーラやブリロ洗剤などの消費材といった一般大衆になじみのあるモチーフを作品に取り入れ、大量消費社会をシニカルな視点で描き出していったのです。その後もローリング・ストーンズのアルバムジャケットデザインや、エンパイア・ステート・ビルディングを8時間にわたり定点撮影した実験映画の制作、雑誌「インタビュー」の創刊など、枠にとらわれない自由な創作活動を展開。これらの作品が話題を呼ぶ一方、派手な私生活から多くのスキャンダルを巻き起こす「お騒がせ屋」としても知られるようにもなり、当時は新しいタイプのスターの登場に「生き様そのものがアート」と神話化されたほどでした。

ヨーロッパの階級的伝統に支えられてきたアートを大衆に解放するという偉業を成し遂げた彼は1987年、心臓発作により58歳で死去。「ライフ」誌による「1960年代に最も影響力のあった人物」にザ・ビートルズと並んで選ばれるなど、時代を象徴するアーティストとして人々の記憶に残り、彼が残した作品たちは今も世界中で高い人気を誇ります。

■いつでも気軽に入れるアート空間を｜エスパス ルイ・ヴィトン東京

今回のアンディ・ウォーホル展を開催しているエスパス ルイ・ヴィトン東京は、ルイ・ヴィトン社（フランス）による「企業メセナ」の一環として設置された、現代アートの展示スペースです。企業メセナとは企業が芸術・文化活動を支援する取り組みを指し、街のど真ん中に誰でも気軽に立ち寄れるアート空間を提供することで、都市文化の発展と現代アーティストの支援を図るというもの。ルイ・ヴィトンがもつブランド価値を、さらなる高みへと押し上げようとする試みの一つです。東京の他にも大阪、ミュンヘン、ヴェネツィア、北京、ソウルに同様のスペースを設置しており、これまでに草間彌生、ウェイド・ガイトン、マーク・レッキー、ケリス・ウィン・エヴァンス、ダグ・エイケンなど、さまざまなアーティストのコレクションを展示してきました。

エスパス ルイ・ヴィトン東京は、建築家・青木淳氏が手がけたルイ･ヴィトン表参道ビルの7階にあります。天井が高く全面ガラス張りの静謐な空間は、表参道の喧騒を離れた異空間といった趣です。アート作品だけでなく、展示物と建築との相乗効果も楽しみの一つといえます。

■展覧会の見どころ

ポップ・アーティストのみならず、映画監督、音楽プロデューサー、ショー・デザイナー、テレビ司会者、セレブリティ雑誌の編集者など、さまざまな顔を持っていたアンディ・ウォーホル。生涯で1万点以上の作品を世に送り出したといわれていますが、その中には多くのセルフポートレート（自画像、自撮り）が含まれています。今回の展示はシルクスクリーンによる自画像や、数々の「ステージド・フォトグラフィ」（演出された写真）といったセルフポートレート作品にスポットを当てるという一風変わった企画展です。

例えば、ウォーホルはコンプレックスだった顔のシミや色素抜けなどを、計算された制作手法により消し去っていたそうで、その実例を1978年のシルクスクリーン作品などに見ることができます。1970年代から80年代にかけて撮影された20数枚のポラロイド写真では、トレードマークとなった銀髪のウィッグ、サングラス、プレッピー風ボタンダウンシャツを纏いながらも、時代とともに自己イメージを変化させることで、捉えどころのないパブリックイメージをつくっていった様子が伺えます。

終盤には他者によって撮影されたウォーホルの写真も展示されており、デイヴィッド・ホックニーやエルズワース・ケリーなど同時代を生きたアーティストとの交流も写し出されています。最後の一枚はロバート・メイプルソープが1980年代に撮影したポートレート。ウォーホルが体調を崩し始めていた時期のもので、巧妙な演出が施された一連のセポートレートとは異なり、どこか物悲しい孤独な一面を垣間見ることができます。

メディアに取り上げられることが多かったウォーホルは、世間が自分に対して抱くイメージを操ることを楽しんでいました。一連のセルフポートレートからウォーホルのさまざまな「顔」を知ることで、マリリン・モンローやキャンベル缶などの代表作もきっと違って見えてくるはずです。

アンディ・ウォーホル「SERIAL PORTRAITS – SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION」展

会期：2025年10月2日〜2026年2月15日

会場：エスパス ルイ・ヴィトン東京（東京都渋谷区／ルイ・ヴィトン表参道ビル）

開館時間：12:00～20:00

休館日：ルイ・ヴィトン 表参道店に準ずる

入場料：無料

◎鑑定人プロフィール

北岡淳（北岡技芳堂 代表）

初代である祖父が掛け軸の表具師を生業としており、幼い頃から美術品や骨董品に親しむ。その後京都での修行を経て、3代目として北岡技芳堂を継承。2006年に名古屋大須にギャラリーを構え、幅広い骨董品や美術品を取り扱いながらその鑑定眼を磨いてきた。

2026年1月6日

日本漆器の原点「根来（ねごろ）」の歴史と魅力を解説 〜北岡技芳堂の骨董品買取りブログ〜

今回は、昨年から東京のサントリー美術館で開催されている「NEGORO 根来 ― 赤と黒のうるし」展のレポートです。日本文化と切っても切り離せない存在である「漆器」。その中でも根来（ねごろ）と呼ばれる漆器は「漆器の祖先」と呼ばれ、古今のコレクターの心を掴んでやみません。本記事では根来の歴史や特徴、展覧会の見どころを通して、日本漆器の原点ともいえる根来の魅力を詳しくご紹介します。会期が迫っていますので、ご興味のある方はお早めにどうぞ。

■豊臣秀吉に滅ぼされた技法が400年ぶりに復活｜根来塗の歴史

根来の漆器は鎌倉時代に生まれました。高野山（和歌山県伊都郡高野町）での対立を受け、1140年ごろに覚鑁（かくばん）上人という真言宗の僧侶が紀伊国根来寺（現在の和歌山県岩出市）を開創します。この根来寺で僧侶たちがつくりはじめた漆器が、根来の起源とされています。彼らは後に「根来衆」という戦闘集団として歴史に名を残すことになるのですが、もともと鉄や木、漆を自在に加工する技術者集団でもあったのです。根来の製造には一般の漆器にはない独自の工法が用いられ、時を重ねるうちにその技術は発展していきました。

やがて戦国時代に入り1585年、反目していた豊臣秀吉に攻め込まれ、根来寺は焼失。僧侶たちは全国各地に散らばり、根来の伝統的な技法は失われました。この時流出した技術が、地元和歌山県の紀州漆器や石川県の輪島塗に受け継がれたといわれています。

そして迎えた江戸時代、工芸に詳しい知識人たちが根来をブランド品として珍重するようになり、茶の湯などにも用いられるようになります。江戸後期に入っても京の漆芸家・佐野長寛が根来を愛蔵するなどその人気は衰えず、明治期以降も日本画家の橋本関雪や安田靫彦、民芸運動を指導した柳宗悦らも根来の美に注目したことにより、その名は確固たる地位を築きます。

一度は途絶えた漆器づくりでしたが、近代から戦後にかけて岩出市の地元産業として復活します。高度成長期には樹脂成形やスクリーン印刷による蒔絵などを導入し、昭和50年代に最盛期を迎えました。しかし、その後は安価な中国製品に押される形で徐々に衰退。県は漆器の研究機関を設けるなどして、戦国時代に失われた技術を再現する試みに取り組みます。そして2000年、400年以上途絶えていた中世当時の技法を塗師である池ノ上辰山氏が現代に蘇らせ、2019年に文化庁長官表彰を受賞。新たな価値をもつ作品を生み出すとともに、技術の伝承および人材の育成に心血を注いでいます。

根来塗の湯桶

■頑丈で使いやすく、使い込むほど美しい｜根来塗の特徴

鎌倉時代に誕生してからおよそ900年。長い歴史を持ち、輪島塗など日本を代表する漆器の源流となったことから「漆器の祖先」とも言われる根来は、堅牢な下地と黒漆の中塗、鮮やかな朱漆の上塗りで知られています。主に食事用の什器としてつくられ、内戦が続く激動の時代に誕生した背景から、使いやすさ、持ち運びやすさ、頑丈さを追求したつくりが特徴です。そのため扱いの難しい漆器が多い中で、根来は特別な気遣いを必要とせず、日常の器として気兼ねなく使えます。例えば、一般的な漆器は沸騰したばかりの熱湯を注ぐと変色やひび割れを起こしてしまいますが、根来はびくともしません。そのため食器洗い乾燥機でも洗うことができますし、うっかり落とした程度で欠けるようなこともありません。それどころか経年変化で表面の朱漆が剥がれ、下地の黒漆が文様のように浮かび上がる様子の美しさから「用の美」を体現した器ともいわれています。

派手な装飾のないシンプルな見た目ですが、その製作工程は非常に複雑です。ケヤキ、ヒノキ、コクタンなどの木材を椀や酒器などの形に削り、まずは木地に下地となる生漆を塗り込みます。その後、砥の粉と生漆を混ぜた錆（さび）をヘラ付けすることで、下地の堅牢さを高めるとともに、器の角や縁などの欠けやすい部分は麻布を貼ることで補強し、布目を錆で埋めて滑らかに仕上げます。19工程に及ぶこの入念な下地づくりこそが、厳しい環境下での実用に耐える根来の強さを支えているのです。

下地が終わるとようやく黒漆の下塗りに入ります。表面の乾燥を待ってから研ぎと塗りを繰り返し、最後に朱色の漆を上塗りしてようやく完成です。一般的な漆器では着手から完成まで１か月程度で済むところ、根来では3か月以上の時間をかけてつくり込んでいきます。特に下地となる漆の層が厚く、一般的な漆器の2〜3倍の厚さに及ぶそうです。

根来寺の焼き討ちから現在に至るまでの間に全国でつくられるようになっており、それぞれの地名をつけた京根来、奈良根来、吉野根来、薩摩根来、堺根来や、朱漆を塗らない黒根来、黒漆の上に青色の漆を塗った青根来など、多種多様な根来を楽しむことができます。

根来瓶子　室町時代

■展覧会の見どころ

盛況のうちに閉会した大阪での前期展示を経て、現在は東京で開催されている後期展示。根来寺でつくられた漆器を起点に、寺院・神社の道具として生まれた器が、時間を経て人々の暮らしへと浸透していく過程を、選び抜かれた作品群とともに辿る展示内容です。また、根来産以外にも東大寺、興福寺、西大寺、法隆寺の品など名だたる奈良の古社寺でつくられた作品たちも展示されており、そのほか東京国立博物館所蔵の陶磁器の天目形を模した根来椀（1391年）や、南北朝時代・明徳元年（1390年）に足利義満らが奉納した熊野速玉大社古神宝類の唐櫃、愛知県一宮市の真清田神社に伝わる室町時代・長禄元年（1457年）の神饌具一式など、数々の重要文化財が出展。最後の「根来回帰と新境地」コーナーでは白洲正子や黒澤明らの文化人が根来を愛したエピソードや、近現代の愛好者の愛蔵品も取り上げられており、普遍的な用の美の魅力を再認識することができます。寺院の道具として生まれ、人々の暮らしへと溶け込み、そして再び美術として見つめ直される――根来という漆器の歩みを、実物を通して体感できる展示構成です。

「NEGORO 根来 — 赤と黒のうるし」

会期：2025年11月22日（土）～2026年1月12日（月・祝）

会場：サントリー美術館（東京都港区赤坂）

時間：10:00～18:00（金曜日は10:00～20:00）

休館日：火曜日

※1月10日（土）は20時まで開館

※いずれも入館は閉館の30分前まで

◎鑑定人プロフィール

北岡淳（北岡技芳堂 代表）

初代である祖父が掛け軸の表具師を生業としており、幼い頃から美術品や骨董品に親しむ。その後京都での修行を経て、3代目として北岡技芳堂を継承。2006年に名古屋大須にギャラリーを構え、幅広い骨董品や美術品を取り扱いながらその鑑定眼を磨いてきた。

2026年1月5日

あけましておめでとうございます。

2026年は、暦の上では60年に一度めぐってくる丙午の年になります。60年というと「還暦」と同じ長さで、ひと回りして同じ場所に戻ってきたように見えるのに、実際には景色がすっかり変わっているところが面白いところかもしれません。

前回の丙午だった1966年を思い出すと、空気の温度が伝わってくる出来事がいくつもあります。日本ではビートルズが武道館で公演を行い、東京のど真ん中が少しざわついた時代でした（初日は1966年6月30日）。景気の面では、いざなぎ景気が「戦後最長級の好況」として動き出していて、暮らしの憧れは“3C”──自動車・カラーテレビ・クーラーへ向かっていきます。その一方で、全日空羽田沖墜落事故（1966年2月4日）に象徴されるような痛ましい出来事もありました。　政治の世界でも「黒い霧解散」（1966年12月27日）という言葉が残っていて、成長と混乱が同じ年の中で並走していたことがわかります。　世界に目を向ければ、中国では文化大革命が始まり（1966年）、　サッカーW杯はイングランドが初優勝しています（大会は1966年7月11日〜30日）。

1966年ビートルズ来日

では、60年後の2026年はどうなるのか。もちろん未来は断言できませんが、「時代のクセ」みたいなものなら輪郭が見えてきます。景気や金融の話でいえば、世界全体の成長率は2026年に3.1%程度と見込まれていて、急加速というより“減速しながら続く”絵が想定されています。　日本については、OECDが実質GDP成長率を2026年・2027年とも0.9%程度と見通し、国内需要が主役になりやすいとしています。さらに足元では日銀が「物価・賃金の見通しが整えば利上げを続ける」と発言しており、長い“超低金利の時代”から、少しずつ空気が変わっていく年になりそうです。同じ「景気」という言葉でも、1966年のような一直線の加速ではなく、変化を確かめながら歩く感じが近いのかもしれません。

それでも、2026年が“世界の目線が一つになる瞬間”をいくつも抱えているのは確かです。2月にはミラノ・コルティナ冬季五輪（2月6日〜22日）があり、　夏には北米でサッカーW杯（6月11日〜7月19日）が開催されます。1966年の熱狂が「カラーテレビの前に人を集めた」とするなら、2026年の熱狂はスマホの中で同時に起きて、同時に冷めていくのかもしれません。盛り上がりが速い分、次の日には別の話題に移っている、そんな忙しさも含めて、いまの時代らしさがあります。

2026年1月、丙午の炎のような情熱的な日の出の輝き

丙午という言葉自体も、2026年を語るうえで外せない味付けです。1966年は迷信の影響で出生数が大きく落ち込み、約136万1千人と前後の年より約50万人少なかったとされています。「根拠の薄い噂が、社会の数字を動かしてしまう」ことが本当に起きた年でした。2026年の私たちは、当時よりずっと多くの情報に触れられますが、同時に“それっぽい話”も勢いよく拡散します。だからこそ今年は、火を「燃え広がるもの」にするより、「灯り」にするほうへ意識的に舵を切れる年なのかもしれません。

60年前の丙午は、成長のエネルギーと、社会のざわめきが同居していました。2026年も、きっと似た形で同居する部分がありそうです。ただ、その扱い方は変えられるはずです。勢いに飲まれきらず、噂に縛られすぎず、暮らしの道具も、お金の使い方も、情報の受け止め方も、少しずつ「自分の手触り」に戻していく。そんな一年として書き始めると、丙午という暦の偶然が、今年の“テーマ”に自然となってくれる気がします。

今年1年もどうぞよろしくお願いいたします。